動態

Les recherches de Jingfang Hao et Lingjie Wang sont le fruit d’une « exaltante alliance des contraires ».

Leurs oeuvres puisent aux racines de la culture chinoise et sont nourries de références à l’histoire de l’art occidentale. A la fois
conceptuelles et sensuelles, objet et processus.

Cette bipolarité, que l’on retrouve dans le taoïsme mystique originel sous la forme du Yin et du Yang, est davantage une façon d’être au monde qu’un système.

Chacune de leurs oeuvres repose sur un dialogue entre une conception cartésienne et mathématique, héritée de leur formation d’ingénieurs et d’un intérêt pour l’art conceptuel occidental, et une vision sensuelle et poétique du monde et de la nature liée à leur culture chinoise et à leur connaissance de la matière qui compose les objets qui nous entourent.

2018年12月15日下午三时，“滚动中的雪球·南京”将在南京艺术学院美术馆开幕，本次展览由李小山担任艺术总监，伊尼卡·顾蒙逊、秦俭担任学术顾问，陈瑞、李梅兰任策展人。展览将集中呈现五十二位中外艺术家的作品，包括素描、绘画、油画、摄影、装置、雕塑、表演和影像等综合媒介。

自 2010 年起，“滚动中的雪球”项目由中国欧洲艺术中心发起，至今已经举办了十一届。滚动中的雪球展将中外各界艺术家汇聚一堂，他们在世界各地都曾开展研究，发表作品及展出。这种文化交流与合作大大丰富了各国艺术家的文化，思想和观念，并帮助他们提炼艺术观点及重新定义他们在本土与艺术的关系。这种跨文化交流可谓是其思想的一部分，对他们在国内及国际的工作和联系大有裨益。

国际交流对于艺术本身来说是一种养分。艺术流动在世界的每个角落。文化间的交流，是一门视角的艺术。古往今来，不同文化之间带着对彼此的预设和猜想相遇，通过对话和碰撞，不断检验、反思并调整自身旧有的视角与看法，增进对彼此的了解与认识，取长补短，求同存异。“他者”的文化也仿佛一面镜子，映照出我们自身的文化肌理，使我们在向外求索的同时也透过对方的视角更加客观地审视自己。更为丰富的视角带来更为宽广的视野，也让我们在更为广阔的世界图景中越发清晰自身的立足之本。

这个冬天，让我们一起来南京“滚雪球”！

“‘山·水·江·湖’——新媒体艺术展”由四川美术学院美术馆主办，由策展人、艺术批评家和建筑设计师唐克扬策划。将于2018年9月27日9:00在四川美术学院美术馆开幕，并持续到10月25日。

“山·水·江·湖”是一个没有多“新”的“新媒体”展，它希望更具体地讨论“媒体艺术”的内涵，尝试在传统美术馆空间里，用不大的代价，并不十分“先锋”的姿态，实现让艺术作品“媒体化”的讨论。

策展人唐克扬并不将美术馆的展览空间看做严格的“展厅”，而是一种粗放的“环境”，判断参展艺术家是否意图运用（新）“媒体”创作的关键，在于他（她）是否关心展场、城市、地域乃至国度的“语境”，是否注意到作品和“环境”的关系。郝经芳&王令杰、史明汇、塔可、徐小鼎、杨泳梁、郑达、张克纯、张翔、张增增、王天甲等参展艺术家和设计师的作品在抽象和具体两个向度上勾勒出艺术的本地“风景”——“风景”是地方文化的直观的或间接的体现。它也将和我们选择的戏剧性的美术馆空间，乃至美术馆内的其它展览和展品发生这样那样的、微妙的互动。

传统上，这里参展艺术家的作品也可以理解为摄影作品，雕塑，或者空间装置，它们不一定是“新”媒体，而是提供了“新”的艺术观察的视角，都和展览的语境发生这样那样的联系——但是又是不尽相同的联系，各自有别的方法。这种“语境”上的联系可以是技术手段上的，比如不同的感官手段，突破了“视觉”艺术的限定；可以是意义上的，有的属于“环境”，“默默不语”，有的算作“主体”，“大声说话”；最终，它们都要和美术馆的空间发生关系，即使那些最传统式样的“画框式”艺术，也至少再现（represent）了美术馆外的本地的文化和现实，并且在这种“翻译”的过程中保持自己的眼光和立场。

这些作品，看得见的，不那么看得见的，使观众不仅仅注目于孤立的作品，而是察觉到美术馆内外发生的方方面面的事情，直至把视线投向美术馆空间不能容纳的本地的“风景”。展览将会把四川美院罗中立美术馆有趣的4号厅等转变成一个立体的“媒体空间”，并使这种空间的影响向外辐射。

前言

山水未必是美学家常说的抽象的“山水”，

江湖也不仅仅是一地鸡毛的“江湖”。

在重庆这两个词都是具体的：首先，这座城市素以“一山两水”而形成的地理格局而知名，“山水”地形构造的奇观，塑造了重庆独特的日常生活面貌。与此同时，“江湖”又是重庆的另一个关键词，是由袍哥文化演绎来的戏剧性的社会关系和地方风俗。两个词共同勾勒出了地方人情的“构造”和“起伏”，直抒胸臆地表达出景观社会更隐秘的“基础设施” （infrastructure）。它让重庆在显得非常“后现代”的时髦的同时，实则又极其“前现代”的丰满。

相对于重庆的日常和具体，在中国当代艺术圈里所讨论的“新媒体”，往往显得抽象，费解，缺乏语境。“新媒体”所针对的“旧媒体”是什么？或者，对于艺术家所熟悉的媒材（绘画工具，雕塑材料），“媒体”的概念意味着怎样的差异？带来怎样的冲击？“新媒体”如何侵入美术馆空间（在当代美术馆空间的定义也已经变得十分模糊和不稳定），用传统美术馆所不太习惯的方式，和传统艺术家的作品肩并肩地放在一起？

我预测，在上述重庆的语境中，新媒体会显得格外的“新”，就像重庆人的问候语的字面意思和它的实际含义并不一样，它会诉诸于内容和形式间的差异性，在透露出强烈的反讽的同时，又消解了反讽本身。在如此短的时间内，中国的美术学院迎接了好几拨不同的观念的洗礼，面临着跨越式的发展，但是同西方不一样，由于脚下的土地、眼前的风景和头顶的天空的共同作用，它所吸收的能量不是充溢在外，而是往往向内推积，或者互相影响，显示出复杂的多样性和“自言自语”的特征。

受到这种局面的启发，“山·水·江·湖”想把最形而上学的和最日常的联系在一起，赋予诗意的东西以物质化的形体，为时代前列的文化做具体而微的注脚。它希望是一个“跨文类”但是又同时高度情境化（transtextural and contextual）的展览，既有“典型”的新媒体（运用计算、灯光、声音、机械装置的）艺术家，又包括传统上不被定义为新媒体艺术家的参与者，既有直观的针对重庆地方景观的再现性艺术，又包括理论化的装置与模型。它应该是一次严肃的对话，尽管谈论者往往使用着对方不能理解的语言。

策展人并不将美术馆的展览空间看做严格的“展厅”，而是一种粗放的“环境”，判断参展艺术家是否意图运用（新）“媒体”创作的关键，在于他（她）是否关心展场、城市、地域乃至国度的“语境”，是否注意到作品和“环境”的关系。参展作品希望在抽象和具体两个向度上勾勒出艺术的本地“风景”——“风景”是地方文化的直观的或间接的体现。它也将和我们选择的戏剧性的美术馆空间，乃至美术馆内的其它展览和展品发生这样那样的、微妙的互动。

策展人——唐克扬

唐妮诗画廊-上海，将在今年秋天呈现四位中国当代艺术家的群展。群展的主题是“微光”，灵感来源于加拿大传奇诗人兼歌手莱昂纳德·科恩的诗歌作品《讼歌》。在这首诗里，他写道“万物皆有裂痕，那是光照进来的地方。”缝隙里的光总是那么微弱，但是它给万物带来希望。如此一来，光便成为了一种精神意识。

在«微光»这个展览中，我们能欣赏到郝经芳和王令杰《彩虹》系列的最新作品。他们将各种濒临干涸的湖泊形状放入作品中。当有光照射的时候，玻璃颗粒对光的折射和反射会给站在不同位置的观众带去不同的彩虹。

«微光»同时还将呈现宋兮的一系列概念艺术作品。他的影像作品《欢乐颂》记录了一个行为表演：在黑暗中，他用电蝇拍拍打飞舞的小飞虫。当飞虫们触碰到电蝇拍的一瞬间，就产生如烟火般美丽而又绚烂的火花。这不禁让我们想起泰戈尔诗集《流萤集》的一句诗词：“你微小，但你并不渺小”。单只萤火虫仅能发出一丝微弱的光芒。然而当它们汇聚起来，便会为世界闪耀、发光。

这次群展的另一个关键词是“极少的” ，它恰如其分地体现在马立华的艺术创作中。艺术家将白色和沙子这两种基本语言相结合，通过穿插的笔迹，从而组合出深层次的空间，近而形成节奏和情绪的表达。马立华通过一种适当的抽象形象来表达真正的精神世界。

The International Cloud Atlas, published in 1896, was compiled thanks to the research and classification work conducted by researchers like Jean-Baptiste Lamarck, Luke Howard and Ralph Abercrombie. It was the first publication to set out a nomenclature for clouds, using Latin names, which allowed all European meteorologists to work together. This was how names like  Cumulus, Stratus and Nimbus were applied to the different types of clouds, bearing witness to the establishment and recognition of meteorology in the 19th century. The theme of clouds has been present in iconography since Antiquity and has been a major source of inspiration over the centuries, particularly in painting and photography.

Symbolic, poetic, threatening, divine… clouds have played a central role in artistic representation. In the 21st century, they continue to fascinate numerous artists, whilst environmental and political issues have also come into play. The Cloud Atlas takes an approach that is both playful and sensory, arousing the curiosity of a broad audience, as it takes us on a geographical, sociological and philosophical journey.

The project encompasses the work of over twenty international artists, with photographs, daguerreotypes, neon works, lightbulb installations, videos, fabric sculptures, drawings and more.

Anne Immelé’s cloud flags ask questions about borders, in the same way as Marco Godinho’s cloud stamps raise issues of migratory politics and the movement of people over the past decade. The cloud composed of 6,000 lightbulbs created by the collective of Caitlind Brown & Wayne Garett invites visitors to play with a tree of light. Pollution and smoke appear in the work of Christophe Urbain, whereas Hoang Duong Cam denounces the systems of Asia’s megacities. Berndnaut Smilde creates ephemeral clouds. And whilst Emilie Faïf sets hearts beating, they are pierced by Marion Baruch. Shilpa Gupta imprisons them or speaks to the sky. Julie Guillem and Jean Gabriel Lopez recreate their own cloud atlas using historic processes.

Artist list : Marion Baruch, Hicham Berrada, Olaf Brzeski, Caitlind Brown & Wayne Garrett, Rhona Byrne, Hoang Duong Cam, Julien Discrit, Arpaïs du Bois, Latifa Echakhch, Emilie Faïf, Marco Godinho, Julie Guillem, Shilpa Gupta, Anne Immelé, Hao Jinfang & Wang Lijie, Feng Li, Jean-Gabriel Lopez, Johan Parent, Berndnaut Smilde, Christophe Urbain, Bruno v. Roels, Sophie Zénon.

Après leur participation à la 14ème biennale de Lyon et au 62ème salon de Montrouge, Anne-Sarah Bénichou invite Jingfang Hao et Lingjie Wang pour une exposition personnelle à la galerie. Le duo d’artistes, qui vit à Mulhouse et travaille entre Paris et Shanghai, propose principalement des installations. Formés en tant qu’ingénieurs avant d’intégrer une école d’art en France et particulièrement sensibles aux changements indétectables dans la nature, qu’il s’agisse du soleil, des étoiles ou du passage du temps, Jingfang Hao et Lingjie Wang proposent une vision poétique de ces changements tout en les exposant à la vue de tous.

Pour l’exposition, plusieurs œuvres et installations qui constituent des temps forts dans leur travail ces dernières années seront produites, ré-activées ou présentées pour la première fois, avec pour angle principal la réflexion des artistes autour de la lumière. Intitulée « La lumière n’existe pas », elle fait référence à une citation de Francis Picabia : “Ce sont les mots qui existent, ce qui n’a pas de nom n’existe pas. Le mot lumière existe, la lumière n’existe pas.” Il s’agit ici d’interroger notre perception de la lumière, de la beauté et des illusions qu’elle peut créer.